Prodotta da Arthemisia in collaborazione con il Centre Pompidou di Parigi, l’esposizione vanta oltre settanta capolavori che ripercorrono la totale metamorfosi dell'uomo e dell'artista: dal Kandinsky brillante avvocato a Mosca fino al pioniere indiscusso delle avanguardie europee.
Super interessante struttura cronologica e tematica: un viaggio in cinque sezioni ideato dalla curatrice Angela Lampe per mostrare come la liberazione del colore sia stata un processo meditato, spirituale e progressivo.
-La prima fase della mostra sorprende chi associa Kandinsky solo a linee e cerchi. Agli esordi, lo stile è fortemente figurativo e impregnato del folklore russo, di leggende medievali e stampe popolari (le lubki). I colori sono già accesi, ma stesi con tocchi densi, quasi tardo-impressionisti o fauves. In questa sezione si comprende come l'ispirazione iniziale derivi dalla ricerca di una spiritualità arcaica e fiabesca, il gancio emotivo che lo porterà a staccarsi dalla realtà tangibile.
-Nel secondo periodo, il legame con la realtà si sfilaccia. Trasferitosi in Germania, fonda il movimento Der Blaue Reiter con la compagna Gabriele Münter – a cui la mostra dedica per la prima volta in Italia un focus prezioso con diverse tele esposte. Qui lo stile di Kandinsky transita verso l’Espressionismo lirico. I paesaggi si semplificano, le montagne diventano triangoli e i cavalieri macchie di colore lanciate nello spazio. Capolavori come L'Arco nero (1912) testimoniano il momento esatto in cui l'artista smette di dipingere l'oggetto per dipingere la risonanza interiore dell'oggetto.
-Con lo scoppio della Prima Guerra Mondiale, l'artista torna a Mosca. È un periodo drammatico e di transizione: l'avanguardia russa è dominata dal Suprematismo di Malevič e dal Costruttivismo. Lo stile di Kandinsky ne risente visibilmente: le macchie di colore "libere" dell'espressionismo tedesco iniziano a disciplinarsi. Le linee diventano più rigide, compaiono i primi reticoli e le prime strutture geometriche stese su sfondi algidi, come nel celebre quadro Su grigio.
-Tornato in Germania per insegnare alla celebre scuola del Bauhaus, lo stile raggiunge la sua massima codificazione teorica. Il colore si fonde completamente con la geometria pura: il cerchio diventa la forma perfetta, la linea esprime tensioni dinamiche, il punto rappresenta il silenzio assoluto. L'apice visivo di questa sezione è l'iconico Gelb-Rot-Blau (Giallo-Rosso-Blu) del 1925: una monumentale composizione dove la sezione sinistra (colori chiari, linee sottili) dialoga con la sezione destra (colori scuri, forme pesanti e cerchi profondi) in un perfetto concerto visivo.
-L'ultima metamorfosi avviene a Parigi, dove Kandinsky si rifugia a causa della chiusura del Bauhaus da parte del regime nazista. Le geometrie rigide si ammorbidiscono per fare spazio a forme microscopiche, amebe, creature sottomarine ed embrioni che fluttuano in cieli pastello o sfondi scuri. Questo stile tardo, definito "biomorfismo", mostra un Kandinsky pacificato, che gioca con forme nate dal mondo delle scienze naturali, unendo la precisione grafica degli anni precedenti alla leggerezza della fantasia surrealista.
Il filo conduttore che unisce tutti questi periodi e che emerge chiaramente passeggiando per le sale affrescate di Palazzo Bonaparte è il legame indissolubile con la musica. Kandinsky era sinestetico: per lui i colori avevano un suono ben preciso (il giallo era una tromba stridula, l'azzurro un flauto, il blu profondo un violoncello). Non è un caso che i suoi quadri si dividano in Impressioni, Improvvisazioni e Composizioni, termini mutuati direttamente dal pentagramma per spiegare che l'arte astratta non è "senza senso", ma funziona esattamente come una sinfonia: non ha bisogno di copiare una sedia o un fiore per far vibrare l'anima di chi ascolta o guarda.
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